A coté de la FIAC (Foire Internation de l’Art Contemporain) qui aura lieu du 22 au 25 octobre 2009, une oeuvre (très) éphémère sera présentée le mardi 20 octobre à 22h précises.

Rendez-vous sur la terrasse Lemonnier qui surplombe le Jardin des Tuileries entre le Carrousel et l’entrée du jardin.

L’œuvre présentée sera on ne peut plus éphémère, puisqu’il s’agit d’un feu d’artifice. Mais pas n’importe quel feu puisque les artistes Fabien Giraud & Raphaël Siboni ont prévu de lancer 800 bombes en même temps,

Soit un feu d’artifice complet, tiré en une fois, de telle sorte qu’il n’y ait qu’une seule détonation. Une seule déflagration assourdissante. Un quart d’heure de spectacle se contracte ici en un seul tir, se condense en une seule seconde, et les motifs multicolores fusionnent jusqu’à ne plus former qu’un seul flash aveuglant (Fabien Giraud et Raphaël Siboni)

Rien n’est dit si le public doit prévoir des boules quiès… mais ça promet de faire du bruit !

Objectifexpo.com n’a pas hésité à se rendre sur les lieux afin de vous faire pénétrer dans l’univers incongru du Surréalisme. Plus de 150 oeuvres (huiles sur toiles, aquarelles, livres illustrés, dessins et gravures) composent cette rétrospective inattendue ayant pour thématique les animaux. La carrière de l’artiste et les évènements survenus dans sa vie, tels que son installation en Espagne, aux Etats-Unis ou encore en Provence, s’y retrouvent intimement liés : trés loin du naturalisme, chaque animal, issu de la réalité que l’artiste cotoie, se voit extirpé de celle-ci pour se métamorphoser en Etre surgit tout droit des visions de son créateur.

Bestiaire, A. Masson

L’exposition s’ouvre, en préambule, sur le tableau Bestiaire de 1925 en référence à la courte période cubiste de l’artiste et un tableau automatique de 1927 Les Coqs.

Elle s’articule autour de quatre périodes fondammentales :

1. Exil volontaire d’André Masson en Espagne (1933-1936)
2. Illustrations d’André Masson réalisées pour les ouvrages de ses amis écrivains surréalistes
3. Installation aux Etats-Unis (1941-1945)
4. Retour en France au Tholonet près d’Aix-en-Provence (1947)

1. Exil volontaire d’André Masson en Espagne (1933-1936)

Insectes dans un Champ de Blé, A. Masson, 1934.

Sa période espagnole, en Catalogne, est essentiellement représentée sous la forme de scènes de tauromachie et d’insectes. Son graphisme ainsi que la stylisation des têtes n’est d’ailleurs pas sans évoquer au visiteur une similitude avec le travail de Picasso.
Le domaine onirique est très souvent la source de ses créations : les animaux se voient transposés dans un lieu où les références au réel bien que toujours présentes (montagne, rocher, soleil par exemple) sont amoindries par l’absence de hors-champs du cadrage. Ils pénètrent ainsi dans une atmosphère particulièrement mystérieuse, un univers où les poissons semblent flotter dans l’espace du tableau jusqu’à s’identifier à de simples signes plastiques.

Témoins du regard révolté de l’artiste sur la violence présentes dans le monde et des drames qui en sont issus, les animaux de son Bestiaire se métamorphosent, s’accouplent, s’affrontent et se déchirent inlassablement.

La Mort des Amazones, A. Masson, 1933.

C’est naturellement que ce sentiment du tragique trouve également sont inspiration dans la Mythologie (références à au Minautore, Actéon, Diomède par exemple) qui ne cesse de le fasciner.

Actéon dévoré par les chiens, A. Masson, 1933.

« (…) Chez André Masson, la recherche sur la nature s’accompagne d’une recherche sur le Mythe et sa signification. La mythologie va très tôt intéresser le surréalisme où l’imaginaire et le merveilleux seront revisités à la lueur de la psychanalyse. Qu’ils s’appellent Ernst, Miro, Tanguy, Dali… tous les peintres surréalistes ont donné leur propre interprétation des mythes ». J. Rasle, commissaire de l’exposition.

2. Illustrations d’André Masson réalisées pour les ouvrages de ses amis écrivains surréalistes

Le parcours du visiteur se poursuit par la révélation des livres surréalistes d’écrivains comme Bataille, Leiris, Limbour, Aragon, Soupault, Breton… qui ont été illustré par Masson. Les eaux-fortes, documents manuscrits et revues (Minautore et Acéphale entre autres) reflètent les compétences multiples de cet artiste protéiforme.

Revue Minautore

Revue Acéphale

Mais c’est surtout le caractère érotique et graphique de cette période qui sera retenu avec la mise en place de son cabinet érotique : des encres suggestives s’y dévoilent telles que Bacchanales, Sphinx Apprivoisé, Femmes et Poissons, Femmes et Taureaux ou encore un Porc et une Oie.

« C’est ainsi qu’on s’aperçoit que la terre en tournant fait coïter les animaux et les hommes et (…) que les animaux et les hommes font tourner la terre en coïtant ». G. Bataille dans l’Anus Solaire illustré par A. Masson.

André Masson

Le film documentaire de Nelly Kaplan sur les secrets de Masson, A la Source la Femme Aimée, est projeté, comme une halte, sur le cheminement du visiteur : il met en lumière l’imagerie et la pratique de l’artiste surréaliste filmé en pleine création.

3. Installation aux Etats-Unis (1941-1945)

Méditation sur une Feuille de Chêne, A. Masson, 1942

C’est pour échapper à la guerre que Masson part s’installer aux Etats-Unis en 1941 rejoindre d’autres rescapés des avant-gardes européennes comme A. Breton. La nature qu’il qualifie « d’excessive » du paysage américain devient pour lui un élément déclencheur pour explorer l’intériorité de son monde héraclitéen.

« La clé de l’oeuvre de Masson est là : tout ce qui vit, se transforme. Rien n’est jamais achevé », commente J. Rasle.

Masson y opère une transition entre le surréalisme français et l’expressionnisme abstrait américain. L’influence de sa démarche automatique sera alors déterminante sur l’œuvre d’Arshile Gorky ou de Jackson Pollock.

4. Retour en France au Tholonet près d’Aix-en-Provence (1947)

Dans cette ultime partie de l’exposition, l’arrivée de Masson et de sa famille en Provence (Tholonet), dans les paysages de Cézanne, va révéler un monde animal encore différent : celui des cigales et des animaux domestiques.

Le visiteur se trouve devant un bestiaire plus apaisé où se côtoient des toiles aux couleurs impressionnistes comme Rascasse et Grenades (1952), d’inspiration chinoise tel que Chat dans l’Herbe (1954) ou encore de tentation abstraite à l’image du Poisson Légendaire (1958).

Chat dans l'Herbe, A. Masson, 1954.

Salle des écoutes des entretiens d'A. Masson

L’écoute des entretiens audio de Masson avec Georges Charbonnier (1958) et du documentaire André Masson et les Quatres Eléments (1957) clôture l’exposition en amenant doucement l’auditeur à frôler sa perception de la réalité.

Le Bestiaire d’André Masson n’est donc en rien une illustration de la réalité telle que chacun peut la concevoir mais un portrait intérieur de la réalité intime, inconsciente de l’artiste. Rêve, automatisme, allégorie et symbole y tiennent une place prépondérante. Porté par la Nature qui l’entoure, le surréaliste peuple ses toiles d’animaux fortement sexués dans des situations et attitudes improbables souvent violentes, reflet de la cruauté de la société humaine.
Le renouveau apporté à la thématique figurative ne peut qu’être souligné faisant intégrante des points forts de la rétrospective.
Un espace où les repères sont métamorphosés pour emprunter des sentiers surprenants et en perpétuels mouvements qui a séduit Objectifexpo.com pour son audace !

Florence Alfano

Musée Granet

« Si je connais Cézanne ! Il était mon seul et unique maître ! Vous pensez bien que j’ai regardé ses tableaux… J’ai passé des années à les étudier… » Picasso.

Objectifexpo.com s’est rendu pour vous en pays d’Aix afin de découvrir ce qui fait le caractère exceptionnel et la force de cette rétrospective : la mise en parallèle de ces deux géants du monde pictural afin d’amener un regard neuf sur le travail de Picasso.

Le parcours du visiteur est jalonné par cent quatorze oeuvres de tous types : peintures, sculptures, dessins et gravures.
Celles-ci s’organisent autour de quatre grandes sections :
1. Picasso regarde Cézanne
2. Picasso collectionne Cézanne
3. Thèmes et formes partagées
4. Picasso se rapproche de Cézanne

1. Picasso regarde Cézanne

La première section de l’exposition débute sur l’arrivée de Picasso à Paris, tout juste âgé de 19 ans, pour s’achever sur son aventure cubiste (1917).
L’attention se porte sur l’oeil de Picasso envers la leçon Cézannienne. Explorée, digérée celle-ci finit par être dépassée voire outrepassée dans un élan toujours infiniment respectueux.

« Ce n’est pas ce que l’artiste fait qui compte, mais ce qu’il est… Ce qui nous intéresse, c’est l’inquiétude de Cézanne, c’est l’enseignement de Cézanne ». Picasso

A l’évidence, d’autres inspirations émergent chez Picasso, au fil des oeuvres, comme celles, entre autres, d’artistes comme Gauguin, le Douanier Rousseau ou encore de la sculpture hiératique égyptienne et de l’art primitif africain.
Dans sa Composition à la Tête de Mort par exemple, Picasso revisite en 1907 la Nature Morte au Crâne de Cézanne (1896-1898) : le symbolisme traditionnel de la vanité est balayé par l’arrivée d’un autoportrait, tout aussi symbolique, mais dont les attributs comme la fécondité et la créativité, associés à certains objets personnels de l’artiste (pipe,livres, bol…), se voient contrebalancés par l’image funeste du crâne.

Picasso, Composition à la Tête de Mort, 1907-1908

Cézanne, Nature Morte au Crâne, 1896-1898

Alors que Cézanne exulte le volume par la masse colorée même, Picasso pousse l’élimination du superflu à son apogée : il épure les formes, aplanit l’espace et diversifie les points de vues au sein du même tableau propre au cubisme.
Bien qu’excellant dans la pratique du dessin académique, de part leur enseignement respectif, les deux artistes ont tous deux quitté cette relation à la retranscription traditionnelle de la nature pour envisager un art plus révolutionnaire. Autre point commun, tous deux bénéficiairent des services du même marchant d’art : le célèbre Ambroise Vollard immortalisé par chacun en 1899 et 1910.

Cézanne, Ambroise Vollard,1899

Picasso, Ambroise Vollard, 1910

2. Picasso collectionne Cézanne

Dans la seconde section de l’exposition, l’attention se tourne vers la collection d’oeuvres d’art acquises par Picasso et plus particulièrement vers certaines oeuvres du Maître d’Aix.
L’admiration et le profond respect que Picasso voue à Cézanne est une fois de plus palpable dans ce désir quasi possessif qui débute dés 1917. En 1930, il achète le Château Noir et c’est durant la période succédant la seconde guerre mondiale que cette activité s’intensifie réellement chez Picasso.

 » Qu’est-ce qu’au fond un peintre ? C’est un collectionneur qui veut se constituer une collection en faisant lui même les tableaux qu’il aime chez les autres ». Picasso

Toutefois, ce n’est qu’en 1959, lors de son installation, qu’il souhaitait pérenne, au Château de Vauvenargues, qu’il exposera pour la première fois sa collection sur les murs de son atelier…

3. Thèmes et formes partagées

La troisième section met, quant à elle, l’accent sur les goûts communs des deux monstres sacrés de la peinture notamment envers certains sujets et thématiques : les baigneurs (baigneuses), les portraits de femmes assises, les postures d’hommes accoudés, les fumeurs sans oublier l’Arlequin.

Cézanne, Arlequin, 1888-1890

Picasso, Arlequin, 1917

Quelques objets composant la palette des natures mortes sont également récurant dans leurs tableaux respectifs : le compotier de porcelaine blanche, le crâne ou encore la fameuse pomme.

4. Picasso se rapproche de Cézanne

Château de Vauvenargues

« J’ai acheté la Sainte Victoire de Cézanne !
- Laquelle ? demande Kohnweiler (son marchand d’art de l’époque)
- La Vraie, répond Picasso »

L’achat du château de Vauvenargues en 1959 figurera comme un ultime accomplissement dans le rapprochement spirituel des deux artistes.
Ce lieu, véritable refuge pour Picasso lui permit, même s’il n’y séjourna que peu au final (février 1959-juin 1961), d’exercer son Art au calme dans le paysage peint avec ferveur par son « père ». Il figurera comme la dernière demeure du peintre.

« Nous allons vers les admirables oeuvres que nous ont transmises les âges, où nous trouvons un réconfort, un soutien, comme le fait la planche pour le baigneur », soulignait Cézanne en 1925 alors que Picasso clamait en 1964 : « Cézanne ! Il était comme notre père à tous. C’est lui qui nous protégeait… ».

Séparés par une génération, Picasso ne rencontra pourtant jamais le Maître d’Aix. Or, sa carrière d’artiste autant que sa vie d’homme apparaît inextricablement bouleversée par la leçon cézannienne. Assimilée et métamorphosée au gré de ses réflexions et au gré de sa propre pâte, Picasso porta celle-ci vers de nouveaux horizons. Mais , les célèbres Demoiselles d’Avignon auraient-elles pu exister sans les Baigneuses de Cézanne ?
Collectionnant les oeuvres de Cézanne et résidant au pied de la Sainte Victoire, Cézanne resta, d’une importance capitale pour Picasso, tout au long de sa vie, tel un lien invisible qui ne peut se briser.

Le visiteur chemine donc au fil des salles du Musée Granet entre les oeuvres des deux artistes présentées côte à côte et ne peut que percevoir cette indéniable relation… Une exposition exceptionnelle que l’équipe d’Objectifexpo.com vous recommande !

Bonus :

A voir également au sein du musée, et gratuitement, le parcours multimédia mis en place en complément de l’exposition, Picasso les Métamorphoses, ainsi que l’exposition de photographies de David Douglas Duncan, David Douglas Duncan regarde Picasso (plus de 40 tirages originaux).

Florence Alfano

Musée des Impressionnistes

L’exposition s’articule autour des trois périodes clefs de l’oeuvre de Monet à Giverny : le jardin de Monet à Giverny, le patriarche devant l’objectif, l’oeil du jardinier.

1. Tout débute par l’installation du peintre à Giverny et la composition des jardins. Plans du jardin d’eau, articles de presse et magazines sur les jardins du Maître Monet ainsi que de nombreuses photographies attestent de l’atmosphère de l’évènement. En émergent la ferveur de l’artiste pour la conception de son jardin impressionniste mais également la résonance incalculable répercutée par cette création novatrice. Certains articles de journaux et d’ouvrages de jardinage de l’époque sont d’ailleurs à la disposition du visiteur afin de mesurer cette ampleur.Lorsque le visiteur pénètre ensuite dans la salle répertoriant ses premières oeuvres sur le site, il se trouve surpris, face à une thématique de nature morte.

2. L’artiste avait pris le parti de concevoir son sujet de peinture. A l’instar de l’école de Barbizon par exemple, et comme la tendance de l’époque, il refusa de se plier au motif naturel existant en tant que tel.Modèle vivant sculpté par l’oeil averti du peintre, le premier jardin du Clos Normand n’a pu être utilisé réellement en tant que sujet qu’un an et demi après son semis, ce qui explique alors les premières toiles réalisées en intérieur avec des fleurs coupées.

   C’est cette différence, qui en fait aussi sa force, qui conduit Monet sur la voie d’une peinture intrinsèquement liée à la nature. Les photographies de l’artiste saisies par ses amis, scande un homme au regard malicieux et à l’allure un peu bourrue, puis celle d’un Maître des lieux régnant en patriarche qui, dans la dernière période de sa vie, atteint d’une maladie oculaire affaiblissant et modifiant sa vue,  évoquera la figure du poète aveugle : Homère.

3. Alors que la facture de ses débuts résulte de petites touches, ses sujets croqués en plein air, selon une lumière particulière, lui offre l’occasion d’une gestualité plus ample. Le visiteur en s’approchant perçoit, non sans émotion, la succession de gestes brossés par l’artiste : les touches, plus ou moins appuyées, se superposent par endroit jusqu’à la saturation tandis qu’à d’autres, elles semblent essuyées jusqu’à laisser parfois apparaître la surface vierge de la toile.

   La dernière salle est axée sur les célèbres Nymphéas. Le point le plus spectaculaire en est le rapport à la distance : alors que de près le regardeur ne perçoit qu’une surface plane, opaque et avec un sujet esquissé, à mesure qu’il s’éloigne de la toile, soudain tout semble se métamorphoser. La profondeur de l’étang, le sujet et les vibrations changeantes de la lumière deviennent, comme par magie, une évidence pour l’oeil. Et là, le visiteur ne peut être que subjugué par ce phénomène comprenant combien Claude Monet était un grand peintre… Il reste figé devant ses Oeuvres et s’assoit pensif.

Jardin du Musée des Impressionnistes

L’exposition s’avère donc comme un complément indéniable au visiteur qui s’aventure jusqu’à Giverny en quête de connaissances sur ce peintre jardinier que fut Claude Monet. Toucher son oeuvre visuellement résidait comme l’élément manquant de la première visite de l’équipe d’Objectifexpo.com (musée fermé). L’exposition, bien que brève (certains pourraient rester sur leur faim), clos le parcours impressionniste de façon harmonieuse.

Florence Alfano

L’exposition, qui a débuté le 8 avril et s’achèvera le 10 août 2009, victime de son succès (8000 visiteurs par jour !), vient d’étendre, ce jour, ses horaires en nocturne (jusqu’à 23h00) afin de permettre à un maximum de personnes de ne pas manquer l’évènement !

Photo volée lors de la visite au Centre Pompidou

En effet, cette rétrospective ouvre les portes de l’art abstrait et permet au public -averti ou non- d’accéder, grâce au parcours chronologique d’une centaine d’oeuvres et de nombreux documents d’époques, à son cheminement. Elle réside comme une merveilleuse aventure, en territoire connu ou non, dans un monde irréel, sans référent, au travers de laquelle elle nous amène au fil des salles à percevoir les influences des mouvements artistiques et historiques des différentes périodes clés de sa vie.
Le regardeur se laisse alors séduire par ce lexique de formes et de couleurs, qui s’articule sous ses yeux, et soudain se rend compte qu’il ressent la toile  bien avant de la comprendre puisque la référence au réel n’est plus.
La mise en corrélation de toutes ces oeuvres demeure une occasion unique de faire la rencontre avec cet artiste cosmopolite, révolutionnaire et controversé dans ses débuts. C’est en quête d’universalité, tout en conservant son lien avec sa  mère patrie, que Kandinsky a su se libérer, non sans euphorie, des chaînes de la figuration en s’octroyant au fil du temps un langage propre.

Un magnifique hommage donc, rendu à cet artiste majeur conjointement au Centre Pompidou certes, mais aussi à la Städtische Galerie im Lenbachhaus de Munich et le Solomon R. Guggenheim de New York qui détiennent, à eux trois, les plus grandes collections d’oeuvres de l’artiste russe.

Vassily Kandinsky

Né en 1866 à Moscou et mort en France à Neuilly sur Seine en 1944, l’oeuvre de Vassili Kandinsky est répertoriée au Centre Pompidou en une centaine d’huiles et de grands formats et fragmentée en 5 grandes périodes phares :

1. 1896-1907 : Formations et voyages à travers l’Europe
2. 1908-1914 : Munich – Murnau
3. 1915-1921 : Moscou – Stockholm – Moscou
4. 1922-1933 : Le Bauhaus : Weimar, Dessau, Berlin
5. 1934-1944 : Paris et Neuilly sur Seine

Révélé peintre sur le tard, à 30 ans, Vassili Kandinsky d’exil en exil, et tout au long de sa carrière, conservera sa mémoire russe et s’orientera vers un art résolument libre et personnel que sera l’abstraction.

1. Dans sa première période qui s’articule autour des formations reçues et des ses divers voyages en Europe, les formats sont plutôt de petites tailles et retracent ce que l’artiste nommera  » ses dessins colorés ». L’imagerie russe exaltée dans La Vie Mélangée, produite en 1907, offre au regardeur une facture étroite composée de tâches lumineuses sur fond sombre qui n’est pas sans évoquer l’éclairage émanant d’un vitrail.

2. Puis, de 1908 à 1914, à Munich puis Murnau (en Allemagne), l’artiste entre dans une période d’intense activité : sa touche se fait plus souple et s’étend vers une gestualité plus visible. La présence des chevaux et des cavaliers sera un fil conducteur dans son oeuvre. Il créera d’ailleurs en 1912 avec son ami peintre Franz Marc, le célèbre Almanach du Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu)…
Au gré des toiles, le public est confronté à une explosion de couleurs tel un hymne libérateur prenant sa distance avec la figuration : La masse colorée domine euphoriquement, parfois aérienne, parfois pesante.
Mais c’est en 1911 que Kandinsky réalisera Peinture avec un Cercle, qu’il qualifiera « première toile abstraite ». La résonance musicale y est indéniable.
En suivra alors, une série d’Impressions et d’Improvisations où la composition et le rapport à l’effet « physique » des couleurs priment.

3. La déclaration de guerre mettra fin brutalement à cette période hautement créative (période Moscou-Stocklom-Moscou).
Quand il reprend la peinture, la palette est plus éteinte, les compositions plus centrées sur elle même, comme emprisonnées (cf Obscurci, 1917 par exemple). Jusqu’en 1921, ses formes abstraites se dramatisent allant du hiéroglyphe au micro-organisme (Dans le Gris, 1919).

4. Son enseignement au Bauhaus, engendrera une gamme chromatique plus simplifiée et une géométrisation des formes : le triangle, le cercle et le carré se voient respectivement associés, pour leur effet physique commun, au jaune, bleu et rouge. Tout semble pensé, organisé sur un mode bien précis.

Autour du cercle

5. En 1933, l’école ferme et l’artiste russe part pour Paris. Dans cette ultime période de sa vie, Vassili Kandinsky s’installe à Neuilly sur Seine.
Son vocabulaire de formes évolue vers un peuple qui semble issu tout droit d’un microscope tandis que ses tonalités se font plus tendres. La grille, élément clef et un lexique de formes rappelant des artistes de l’époque comme Miro par exemple, finissent par flotter sur la toile plaquées sur des fonds à l’aspect immatériel ( cf : Autour du Cercle, 1940).

Bref, une rétrospective immanquable, tant pour les yeux que pour l’esprit.
A savoir : cette exposition coexiste en parallèle avec celle de Calder qui remporte également un franc succès. A suivre…

Florence Alfano